EL MINIMALISMO MUSICAL
Claudio Cascales
Catedrático de Música
El término Minimal fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim (1923-2003) en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt (1913-1967) y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los “ready-made” de Marcel Duchamp (1887-1968) y Andy Warhol (1928-1987) o instalándose en la totalidad conceptual, estética y sonora de la acción performativa como tal es el caso del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti quien aplicó en rigor la tendencia a reducir al mínimo la expresión en sus acciones musicales, escritas o visuales, definiendo al minimalismo como “lo máximo en lo mínimo”[1] convirtiéndose rápidamente en Minimal-art.
Las músicas de África y Asia, en particular las de la India e Indonesia, escuchadas en Estados Unidos desde 1960, estimularon a los compositores a cultivar un estilo que devolvería a la música los principios más elementales, liberándolos del peso acumulado por las músicas de vanguardia, partiendo de cero.
Al ser esta tendencia coetánea del minimal-art, pronto se dio en denominarla con el nombre de Música minimalista, siendo sus características principales su sencillez, su escasez de materiales, su actitud meditativa y su continum sonoro de armonías estáticas que tiene como base la repetición de secuencias rítmico-melódicas más o menos extensas en ostinato, aunque no de un modo rígido, sino con ligeras variaciones, generalmente de acentos y pequeños desplazamientos de frases a bases de adición y/o sustracción de notas, en piezas de larga duración (no en vano también ha dado lugar a la denominación “música trance”)[2].
En los primeros momentos del minimalismo, la figura más importante fue La Monte Young (n. 1935). Entre sus obras más destacadas encontramos Death Chant (Canto de muerte), de 1961, para coro masculino y campanas. La obra consiste en una melodía diatónica cantada al unísono, en un primer momento, esta melodía está compuesta sólo por dos notas, gradualmente se van añadiendo notas en un proceso aditivo, sumando cada nueva nota en cada repetición. Una vez que la melodía cuente con cuarenta y cinco notas, se vuelve a repetir todo el proceso de forma inversa. Otra obra suya es La tortuga, sus sueños y viajes (1964).
En los primeros momentos del minimalismo, la figura más importante fue La Monte Young (n. 1935). Entre sus obras más destacadas encontramos Death Chant (Canto de muerte), de 1961, para coro masculino y campanas. La obra consiste en una melodía diatónica cantada al unísono, en un primer momento, esta melodía está compuesta sólo por dos notas, gradualmente se van añadiendo notas en un proceso aditivo, sumando cada nueva nota en cada repetición. Una vez que la melodía cuente con cuarenta y cinco notas, se vuelve a repetir todo el proceso de forma inversa. Otra obra suya es La tortuga, sus sueños y viajes (1964).
Pero el verdadero padre del movimiento será Terry Riley (n. 1935), quién compuso una de las obras más importantes de este movimiento musical, se trata de In C (En Do) de 1964, obra que ofrece una alternativa tanto para los rigores del serialismo y para la casualidad de la indeterminación como para la densidad sonora de la música textural. In C, para cualquier conjunto de instrumentos y piano está escrita sobre un do (de ahí su nombre) agudo en el piano reproducido en corcheas, los demás intérpretes tocan las 53 frases ad libitum conforme al orden señalado, pudiendo parar y retomar la frase siguiente en cualquier punto de la pulsación. La obra termina cuando todos los intérpretes llegan a la última frase, en no menos de 45 minutos. Otra obra interesante obra suya es A Rainbow in the Curved Air (Un arco iris en el aire curvado) de 1968, para teclado electrónico.
Desde mediados de la década de 1960, las dos figuras más importantes del movimiento minimalista han sido Steve Reich (n. 1936) y Philip Glass (n. 1937).
Steve Reich es, seguramente, el compositor más importante dentro de la música mínimal siendo su música limitada en cuanto al material melódico y con una pulsación rítmica fija sin cambios de velocidad (casi siempre en aire vivo), junto a la repetición constante de los motivos y los largos procesos sonoros, bien con instrumentos solistas o grupos de instrumentos homogéneos. Otra de sus características es la utilización del loop, con el cual progresivamente desfasa los ritmos y registros en una especie de canon infinito.
Sus obras más conocidas son: Piano Phase (1967) para dos pianos, Clapping Music (1972) pieza para ser interpretada mediante palmas o Pieces of Woods (1973), para diferentes instrumentos de percusión de madera, siendo Drumming (1971) para 4 bongós, 3 marimbas, 3 glockenspiels, voz masculina y femenina la pieza que sintetiza toda su obra.
La música de Philip Glass es muy parecida a la de Reich, pero básicamente se diferencia en que la repetición de los procesos rítmicos son en Glass aditivos creando bloques unitarios pero nunca iguales (parecidos a Canto de muerte de La Monte Young), técnica que había desarrollado mientras estudiaba música india con Ravi Shankar (n. 1920) a mediados de los 60. En su composición Music in Fifths (1960), una figura inicial de ocho notas por grados conjuntos y dobladas a la quinta, se extiende gradualmente hasta abarcar doscientas notas.
Desde mediados de la década de 1970, sus armonías crecen en complejidad concentrándose en la música de escena, destacando su ópera Einstein on the Beach (Einstein en la playa), de 1975, basada en imágenes relacionadas con el físico Albert Einstein[3] y compuesta para el conjunto instrumental del propio compositor, formada por instrumentos de madera amplificados, teclados y voces, además de un solista de violín quién hace las veces de música y personaje (el propio Einstein), de la ópera.
Otros compositores americanos destacables dentro de esta corriente son Alvin Lucier (n. 1931), Frederic Rzewski (n. 1938) y Meredith Monk (n. 1942), entre muchos otros, amén de compositores como el propio John Cage o Morton Feldman, quienes utilizan en su lenguaje también algunos conceptos minimalistas.
En Europa, el minimalismo europeo lo encontramos parcialmente en compositores como Michael Nyman (n. 1944), Gavin Bryars (n. 1943) y John Adams (n. 1947) ingleses, el holandés Louis Andriessen[4] (n. 1939), los italianos Giacinto Scelsi (1905-1988) y Salvatore Sciarrino (n. 1947), así como en la música de los españoles Carles Santos (n. 1940) y Llorenç Barber (n. 1948).
Desde mediados de la década de 1960, las dos figuras más importantes del movimiento minimalista han sido Steve Reich (n. 1936) y Philip Glass (n. 1937).
Steve Reich es, seguramente, el compositor más importante dentro de la música mínimal siendo su música limitada en cuanto al material melódico y con una pulsación rítmica fija sin cambios de velocidad (casi siempre en aire vivo), junto a la repetición constante de los motivos y los largos procesos sonoros, bien con instrumentos solistas o grupos de instrumentos homogéneos. Otra de sus características es la utilización del loop, con el cual progresivamente desfasa los ritmos y registros en una especie de canon infinito.
Sus obras más conocidas son: Piano Phase (1967) para dos pianos, Clapping Music (1972) pieza para ser interpretada mediante palmas o Pieces of Woods (1973), para diferentes instrumentos de percusión de madera, siendo Drumming (1971) para 4 bongós, 3 marimbas, 3 glockenspiels, voz masculina y femenina la pieza que sintetiza toda su obra.
La música de Philip Glass es muy parecida a la de Reich, pero básicamente se diferencia en que la repetición de los procesos rítmicos son en Glass aditivos creando bloques unitarios pero nunca iguales (parecidos a Canto de muerte de La Monte Young), técnica que había desarrollado mientras estudiaba música india con Ravi Shankar (n. 1920) a mediados de los 60. En su composición Music in Fifths (1960), una figura inicial de ocho notas por grados conjuntos y dobladas a la quinta, se extiende gradualmente hasta abarcar doscientas notas.
Desde mediados de la década de 1970, sus armonías crecen en complejidad concentrándose en la música de escena, destacando su ópera Einstein on the Beach (Einstein en la playa), de 1975, basada en imágenes relacionadas con el físico Albert Einstein[3] y compuesta para el conjunto instrumental del propio compositor, formada por instrumentos de madera amplificados, teclados y voces, además de un solista de violín quién hace las veces de música y personaje (el propio Einstein), de la ópera.
Otros compositores americanos destacables dentro de esta corriente son Alvin Lucier (n. 1931), Frederic Rzewski (n. 1938) y Meredith Monk (n. 1942), entre muchos otros, amén de compositores como el propio John Cage o Morton Feldman, quienes utilizan en su lenguaje también algunos conceptos minimalistas.
En Europa, el minimalismo europeo lo encontramos parcialmente en compositores como Michael Nyman (n. 1944), Gavin Bryars (n. 1943) y John Adams (n. 1947) ingleses, el holandés Louis Andriessen[4] (n. 1939), los italianos Giacinto Scelsi (1905-1988) y Salvatore Sciarrino (n. 1947), así como en la música de los españoles Carles Santos (n. 1940) y Llorenç Barber (n. 1948).
[1] Se hizo famosa la frase “less is more” (menos es más) del arquitecto americano Mies van der Rohe (1986-1969).
[2] La esencia de la música minimalista consiste en la reducción de material sonoro con el único objeto de mostrar el proceso de evolución del sonido. Se dice que la música minimalista no es un proceso de composición sino una “composición en proceso” (work in progress, WIP), las partituras minimalistas no son obras completamente acabadas hasta que se interpretan.
[3] Un tren, un juicio y una nave espacial.
[4] Andriessen es el pionero en la utilización del minimalismo en Europa.
[3] Un tren, un juicio y una nave espacial.
[4] Andriessen es el pionero en la utilización del minimalismo en Europa.
