LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN LA MÚSICA POPULAR

LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN LA MÚSICA POPULAR

Por Claudio Cascales

Catedrático de Música

Por definición, la Música electrónica es aquella que utiliza en su proceso de composición y/o interpretación y audición algún tipo de tecnología: a) instrumentos electrónicos, b) efectos de manipulación y mezclas o c) equipo de sonido amplificado, teniendo como base tres tipos básicos de sonido: los a) sonidos concretos (naturales, ambientales y ruidos), los b) sonidos producidos por instrumentos electromecánicos (electroacústicos) y c) los sonidos electrónicos puros (sintetizadores).

Aunque la Música electrónica comenzó en el ámbito de la música contemporánea “culta”, en pocos años, fue adoptada por la música popular, primero a través de los medios audio-visuales como la radio, el cine y la televisión desarrollándose, posteriormente en los estilos de la música rock y pop en general.

Los Pioneros que realizaron los primeros acercamientos de las técnicas y aparatos electrónicos a la música popular se dieron a partir de la década de los 60’ del siglo pasado, tras la invención del sintetizador modular, en 1963 por Robert Moog (1934-2005). El primero fue Ron Grainer (1922-1981) quién compuso, en 1963, el tema principal para la serie de televisión, de ciencia ficción titulada Doctor Who[1], producida por la BBC de Londres. Morton Subotnick (n. 1933), fue, por su parte, el primer compositor que realizó obras por encargo de la Nonesuch Records, para sintetizador solo como Silver apples of the moon (“Manzanas plateadas de la luna”), en 1966.

Sin embargo, el sintetizador como tal, lo popularizó y lo comercializó Wendy Carlos[2] (n. 1939), con su álbum Switched-On Bach (“Conectado a Bach”) de 1968, el cual se convirtió rápidamente en el “álbum clásico” más vendido de todos los tiempos, y el primero en alcanzar un disco de platino.

Tras los éxitos de Ron Grainer, Morton Subotnik, Wendy Carlos[3] -o del propio Pierre Henry[4]-, junto con el enorme impacto que supuso la comercialización de los sintetizadores en los años 70’ y la mejora de la guitarra eléctrica y sus posibilidades, la música electrónica entró de lleno en el mundo del Rock y el pop y la Música popular en general, a través del Rock progresivo o sinfónico, el Rock sicodélico y los antecedentes de la Música techno, de baile y la Música popular de consumo en general.

Ya en 1966 los “surferos” Beach Boys habían utilizado el Electro-theremin en varias de sus canciones (Good vibrations) y The Beatles utilizaron recursos de la Música concreta ya en su etapa final (1967-1970), en su álbum Revolver (Tomorrow never knows). Otros ejemplos de utilización de procedimientos electrónicos se pueden observar en los trabajos de grupos como The Velvet Underground y Grateful Dead y de solistas como Frank Zappa[5].

La aparición de los sintetizadores llegó rápidamente a la música rock sobre todo, por medio de los teclistas de los grupos de Rock progresivo o sinfónico a comienzos de la década de 1970 como Keith Emerson (n. 1944), de Emerson, Lake & Palmer, uno de los primeros devotos del Moog (Tarkus). Otros teclistas en esa línea fueron, Mike Pinder (The Moody Blues), Peter Gabriel (Genesis), Richard Wright (Pink Floyd), Alan Parsons (Lucifer), y los solistas Rick Wakeman (Journey to the Centre of the Earth) o Mike Oldfield (Tubulars bells), solo por reseñar los más conocidos.

Así mismo, podemos destacar en los 70’ a míticos grupos del Rock experimental como The Residents (Meet the Residents), quienes crearon sus propios sonidos y cajas de ritmos y Can, uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo.

En esos momentos y gracias a la utilización del sintetizador y demás medios electrónicos se creó un subgénero denominado New Age -denominado también Chill out-, una música formada por diferentes estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje, meditación, y lectura para crear una atmósfera envolvente, suave, pacífica con el entorno que suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad.

El primer grupo que destacó en esta tendencia fue Tangerine Dream (Gaudí Park), destacando los llamados “Shyntesizer hero”: Vangelis, Jean Michel Jarre (Oxygène), Giorgio Moroder, Franco Battiato, Kitaro (Matsuri) o Ruichi Sakamoto.

Al tiempo Brian Eno incorporó el VCS3 como un instrumento más a su grupo Roxy Music, para más tarde realizar una productiva e innovadora carrera en solitario, en la que destacan sus trabajos para instalaciones, conocidos como Ambient music (Ambient 4: On land), así como su colaboración en la realización de los sonidos de los sistemas operativos de la multinacional Microsoft.

Un grupo determinante dentro de la música pop fue Kraftwerk (Das model), que creó un nuevo y personal estilo que combinaba un pop minimalista con la música electrónica, denominado Thecno, a base de cajas de ritmos, sonidos sintetizados, secuenciadores, melodías pop pegadizas cantadas con voces inanimadas y una estética futurista[6]. Otro importante grupo en esta línea serían los ingleses Cabaret Voltaire. A estos le siguieron grupos de la repercusión de Heaven 17, Eurythmics, Orchestral Manoeuvres in the Dark (O.M.D.), Ultravox (Vienna), Yazoo, Depeche Mode o Pet Shop Boys (It's a sin).

España no fue ajena a este estilo, y aunque tarde, algunos grupos si tuvieron relativa calidad, aceptación y en algunos casos dejaron temas memorables para el panorama musical español. Grupos como Aviador Dro (Nuclear si), Azul y Negro, Tino Casal (Embrujada),  Mecano o Fangoria, entre otros.

La electrónica también llega en los años setenta al mundo del Jazz, que se electrifica y se fusiona con el rock en esta década, teniendo siempre como punto de referencia los grupos de Miles Davis (1926-1991). Los mejores pianistas del momento como Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul (Weather Report) y Jan Hammer (Mahavisnu Orchestra), pueden ejemplificar este hecho.

En solo unos años, la Música electrónica pasó de los estudios a los locales de ensayo y por extensión a ser grabada para el consumo masivo. La música de Kraftwerk tuvo una gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música Techno americana en Detroit y la música House en Chicago. El desarrollo de estos dos estilos junto al posterior movimiento británico llamado Acid House, empujaron la evolución y aceptación de la música electrónica, introduciéndola en clubes nocturnos, discotecas y raves.

Los sonidos se manipulan en directo por parte de los DJs, a partir de singles pregrabados, llegando a convertirse en una performance con tanta intensidad como la actuación de un grupo o solista en directo. Algunas de estas actuaciones cuentan con amplia difusión tanto por radio como por Internet. Junto a estilos más bailables Dance como: Techno, House, Hardcore, Trance, Jungle, etc., conviven, en la actualidad, otros más experimentales como IMD (“Intelligent Dance Music”), Glith, Breakcore o Trip-hop, entro otros.

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[1] En algunos países de Hispanoamérica se tradujo como Doctor miedo.

[2] Sus primeras grabaciones se publicaron con el nombre de Walter Carlos hasta que en 1972, se sometió a una terapia de cambio de sexo. La última publicación bajo el nombre de Walter Carlos fue By request (1975), siendo la primera publicación como Wendy el álbum Switched-On Brandenburgs (1979).

[3] Carlos también compuso la música de la película de Stanley Kubrik La Naranja mecánica (1971).

[4] Que consiguió una notable repercusión con Psyche rock, extraído de Le Messe pour le temp présent (1972)

[5] Frank Zappa (1940-1993) compuso además numerosas obras contemporáneas con influencias de Webern, Varèse y otros.

[6] Sus trabajos más significativos fueron Autobahn (1974) y Radio-Activity (1975).